BTS : plus grands et encore meilleurs à leur manière
Traduit de l’anglais (Weverse Magazine du 27/03/2026) par #Lolo
Comment ARIRANG a transformé leur origine en point fort
On a souvent tendance à entendre le même son de cloche à propos des artistes de grande renommée qui font leur retour après une longue période. La pression est immense, il est impossible de répondre aux attentes et le monde de la musique a évolué sans elleux. Soit l’artiste surmonte le poids de sa propre histoire et s’envole à nouveau, soit iel s’efface sans un bruit. C’est une narrative brutale, dramatique, qui réduit les décisions désordonnées de la création de musique à un choix binaire : un retour triomphant ou une retraite prudente. Et n’importe quelle conversation sur l’origine de cette nouvelle musique, et le parcours pour arriver jusqu’ici, s’évapore.
À partir du moment où BTS annonça le titre de son nouvel album, ARIRANG, nous pouvions alors déjà visualiser les articles condescendants se rédiger tout seuls : trop occidental, trop centré sur l’anglais, trop genré. Ça reflète aussi la pure ampleur de la portée du groupe. Certain·e·s artistes ont une renommée si grande qu’iels génèrent un nombre incroyable de réactions simplement en existant. Plutôt que de demander s’iels répondent aux attentes, posons une autre question : quel genre de groupe est BTS en 2026 ? Quel genre de groupe les membres veulent-ils être ? Et de quelle manière cela sera-t-il incorporé dans leur musique ?
Commençons par poser un regard sur les personnes avec qui ils ont travaillé. La liste contient notamment Kevin Parker de Tame Impala, Mike WiLL Made-It, JPEGMAFIA, El Guincho, Artemas et plein d’autres. Elle nous fait plus penser à une carte que l’on doit naviguer qu’à des noms d’invité·e·s placés les uns en dessous des autres. Chaque nom représente une région distincte de la musique pop contemporaine : un public spécifique, une conversation culturelle spécifique.
Kevin Parker nous ouvre les portes du rock indie psychédélique, qui n’avait jamais trouvé son public dans le monde de la K-pop auparavant. Quand on cherche une synthèse populaire de pop et de trap, on se tourne vers Mike WILL Made-It. Une grande partie de l’album s’est axée sur les racines du hip-hop qui, au vu de l’ADN des membres de BTS, leur permet de revenir aux sources et de se sentir comme chez eux. Le rappeur JPEGMAFIA évolue dans deux univers à la fois, étant autant connu pour son travail en tant que producteur que pour sa propre musique. Il travaille avec des poids lourds comme Ye (Kanye West) tout en faisant du hip-hop underground avec Danny Brown sans aucun compromis. Mais on ne parle pas ici d’une carte de l’Amérique.
Et El Guincho ? Il a produit l’intégralité de l’album à succès de Rosalía, El Mal Querer, ainsi que des titres-clés de MOTOMAMI. El Guincho est un maître avéré quand il s’agit de puiser dans les traditions locales pour la transformer en un son pop mondialisé. Le travail qu’il a effectué avec Rosalía, où il s’appropria le flamenco (une tradition espagnole spécifique) et le fusionna avec de la musique électro pour créer un phénomène mondial, résonne exactement avec le but d’ARIRANG. Il y a ensuite Artemas, dont l’inclusion montre à quel point BTS a cherché à collaborer avec des pairs contemporain·e·s. Producteur autodidacte qui a appris le métier dans sa chambre, Artemas et son single I like the way you kiss me compte plus de 2,5 milliards de vues sur TikTok, a atteint la 12ème place au Billboard Hot 100 et a dominé le classement Global Excl. US. Il représente une génération née avec le digital et qui a entièrement contourné le système traditionnel des labels et leurs intermédiaires. On pourrait dire qu’il fait juste partie des nombreux producteur·rice·s anglophones, mais on pourrait aussi dire qu’il est le dernier en date à suivre le mode d’emploi de BTS qui consiste à utiliser les réseaux sociaux pour franchir les frontières internationales.
Ce qui est vraiment intéressant est la manière dont les sons qu’apportent ces producteurs mondiaux s’intègrent dans le contexte de l’album. L’orgue psychédélique qui introduit One More Night est peut-être importé mais le poids émotionnel de la chanson vient des paroles coréennes et des textures des voix des membres. L’angoisse qui tourbillonne à travers l’électro pop rêveuse de Merry Go Round est spécifique à BTS. C’est le résultat qu’on obtient quand on garde le contrôle et qu’on utilise les meilleurs ingrédients pour les intégrer parfaitement à notre recette, et non l’inverse. D’après une interview avec GQ, le groupe a passé environ deux mois à Los Angeles et a travaillé en studio six jours sur sept. C’est plus une résidence qu’un emploi du temps pour enregistrer un album. ARIRANG ne donne pas l’impression d’avoir été créé par email mais plutôt grâce à de nombreuses réunions en présentiel, où les participant·e·s s’engagent dans des débats productifs et animés. La cohésion du produit final suggère que les membres de BTS ont participé à ces sessions avec une direction claire, y sont restés fidèles et ont fait confiance aux personnes autour d’eux pour qu’elles travaillent en cohérence avec leur vision. Ce n’est pas une approche passive de la création : c’est du leadership.
Contrairement au ton méprisant des mots « trop occidental », cela montre involontairement la place exacte de BTS dans l’écosystème de la musique mondiale. Cet ensemble des collaborateur·rice·s choisi·e·s délibérément est seulement possible car les personnes de l’industrie voient le groupe comme des collègues et non des invités. L’idée ancienne d’une validation occidentale n’a plus aucun poids dans ce que fait BTS. C’est pourquoi RM rappe fièrement : « Et je suis le seul qui peut parler anglais, mais c’est comme ça qu’on défonce tout ».
C’est valable aussi pour le concert diffusé en direct sur Netflix le 21 mars. Le show a été réalisé par Hamish Hamilton, qui a notamment dirigé la mi-temps du Superbowl, les Oscars et des cérémonies d’ouverture des Jeux Olympiques : des événements où le défi est de rendre quelque chose de réel et d’humain pour les spectateur·rice·s en partant de quelque chose d’une ampleur impossible. BTS a apporté cette expertise, empruntée du plus haut niveau des représentations live, au Gwanghwamun Square, un endroit dont le poids culturel en Corée est déjà énorme. La production Netflix a récupéré toute l’excitation dans l’air pour l’envoyer intacte sur les écrans et en faire profiter le monde entier. Le travail de la caméra a exactement mis l’accent sur la prestation des garçons sur scène plutôt que d’avoir essayé d’inventer quelque chose de nouveau pour les spectateur·rice·s devant leur écran à la maison.
Le concert Netflix est aussi un levier vers une conversation plus globale sur l’industrie de la musique. Netflix a enchaîné avec le documentaire BTS: THE RETURN, qui met vraiment le doigt sur quelque chose avec lequel l’industrie a lutté pendant longtemps. Pendant des années, iels ont essayé de comprendre comment représenter les diffusions musicales dans l’ère du streaming. MTV et VH1 ont construit une culture autour de l’idée que la musique pourrait être une expérience programmée : une expérience qui inciterait les gens à réorganiser leur soirée plutôt que quelque chose que l’on lance lorsque l’envie nous prend. Mais cette infrastructure s’est depuis écroulée et rien ne l’a vraiment remplacée de façon concluante.
La performance de Gwanghwamun s’est le plus rapprochée de ce sentiment que n’importe quoi d’autre dans les mémoires. Et ce fut l’artiste, et non la plateforme, qui le déclencha. Netflix peut fournir les ressources nécessaires pour la distribution et la production, mais il ne peut pas fabriquer le sentiment que quelque chose d’incontournable est en train de se produire. Ce sentiment vient de l’artiste et requiert une sorte de gravité culturelle qui prend des années, parfois des décennies, pour se construire. C’est là où intervient BTS. La performance de Gwanghwamun a eu du succès en tant qu’expérience programmée car les spectateur·rice·s avaient déjà compris, avant même que le direct ne commence, qu’iels étaient en train de regarder quelque chose de décisif.
La convergence de l’ambition créative de l’album, du poids symbolique de Gwanghwamun, de l’échelle et de la finition de la production, de la portée mondiale de la plateforme : aucun n’est là par hasard. Elle reflète un groupe qui a sécurisé une position rare à la fois en Corée et mondialement. Une position qui, même après plusieurs années loin des caméras, renforce leur statut et les personnes qu’ils sont, comme jamais. La plupart des conversations sur ARIRANG semblent se concentrer sur les compromis qu’a l’air d’avoir fait le groupe pour le créer mais il est plus honnête de demander quelles sont les choses qu’ils ont conservées. Ils ont déjà prouvé que leurs origines ne sont pas un fardeau. Et donc qu’en est-il d’un album qui va encore plus loin et nous demande si ça pourrait même être un moyen de nous démarquer ?
