V peint un tableau à travers sa musique
Traduit de l’anglais (Weverse Magazine du 28/03/2022) par #Lolo
La musique du membre de BTS dessine les marques de la jeunesse
Dans les paysages que V peint avec sa musique, les espaces blancs jouent un rôle intégral. Les paroles de 4 O’CLOCK, une collaboration entre RM et V, empruntent une scène d’une personne en attendant une autre durant l’aube, tandis que la chanson Scenery donne la voix aux regrets de ne pas avoir assez partagé de « moments » ensemble. Les personnages de Sweet Night partagent un moment ensemble dans une scène, sur la plage et sur un bateau. Pourtant, ces scènes ne se déroulent pas dans le présent mais dans le passé. Tout comme ce paysage ne peut être complet qu’avec la venue de quelqu’un, la musique de V offre au public un espace dans lequel iels peuvent se plonger entièrement. Dans le refrain de Scenery, une réverbération éparse entoure chaque syllabe de sa voix mélodique, tout en taillant un espace de chagrin dans la chanson. Sweet Night possède une composition linéaire, avec une limite indistincte entre le premier et le deuxième couplet, et se conclut non pas avec une apogée, mais avec un sentiment d’amour éparpillé si intense qu’il en devient douloureux. La musique solo de V forme des images synesthésiques à partir des émotions qui émergent en l’absence de quelqu’un.
« J’espère que les ARMY ont une image en tête quand iels écoutent ma musique, même s’il n’y a rien de spécifique à voir », dit V à Weverse Magazine à propos de Scenery, « tout comme écouter une bande originale de film fait penser à des images du film en lui-même ». C’est assez révélateur de ses objectifs dans son travail en tant qu’artiste en charge de sa musique. Inclure des sons comme le vent, un carillon à vent, le bruit d’une personne marchant dans la neige et l’obturateur d’un appareil photo dans la chanson était son idée, des sons qui évoquent des endroits et actions spécifiques. Ces sons s’alignent avec les paroles « J’erre encore, prochaine histoire » pour conjurer des images du locuteur se promenant et capturant des moments de vie avec la personne qui l’accompagne. V a aussi confié qu’utiliser des instruments acoustiques et des sifflets dans Sweet Night pour transmettre un sentiment de désir était son idée. Il a aussi expliqué avoir évité la structure couplet-pré-refrain-refrain si centrale dans la musique pop en faveur d’une mélodie fluide et sereine pour transmettre « du réconfort qui est tout sauf stéréotypé », et comme le titre le suggère, « dans l’espoir d’avoir de beaux rêves ». Avec V aux commandes, ses chansons apportent des émotions de la vie quotidienne difficiles à saisir, à travers une utilisation variée de ses paroles, mélodie et son. Selon ses propres mots, ils sont comme des films capturés dans une chanson.
Les protagonistes dans ses films sont souvent mis dans une situation où iels sont déconnecté·e·s de quelqu’un d’autre : les paroles de Scenery insinuent que le locuteur ne peut plus rester avec l’invisible auditeur·rice (« Si tu laisses des empreintes derrière toi »); dans Winter Bear aux airs de berceuse, cet·te auditeur·rice ne peut pas répondre car iel est endormi·e; malgré son titre, Sweet Night décrit une nuit blanche passée seul·e dans son lit. « J’aime le sentiment de désir », dit V. « Quand je suis seul, il me fait penser à de belles choses. Je peux avoir envie d’être sur scène ou il peut être dirigé vers les autres membres, ou je peux ressentir une affection débordante. Mais bref, ces sentiments magnifiques sont collectés un par un et deviennent une chanson. » En d’autres termes, cette déconnexion vient d’un sentiment de désir : un désir où l’on espère pouvoir se raccrocher à cette petite étincelle qui peut déclencher un instant éphémère de chaleur pour toujours. La musique de V, comme les films, exprime des moments à travers une combinaison de son et de paroles, et montre par-là un sentiment indéfectible ressenti quand une personne nous manque et quand on est tourmenté·e par son absence, même lorsque le temps passe ou en se déplaçant d’un endroit à l’autre.
V a aussi abordé le thème de sa première chanson solo, Stigma, à laquelle il a participé à l’écriture et au refrain. « Je voulais décrire une personne jeune, toujours en train de grandir, criant d’angoisse. Ce sentiment qui nous donne envie de nous débattre et de crier au monde entier que nous sommes fatigués et en avons marre », dit-il quand il décrit les souffrances émotionnelles grandissantes, illustrées nettement dans la chanson comme étant « des morceaux de verre irrémédiablement brisés ». Pourtant, dans les chansons qu’il a sorties par la suite, comme 4 O’CLOCK et Scenery, V porte son attention sur l’attente de quelqu’un d’autre au lieu d’une détresse intérieure, ce qui l’a amené à sortir des chansons comme Winter Bear et Sweet Night, qui sont essentiellement des monologues destinés à des personnes qui sont soit endormies, soit introuvables. Que ce soit externaliser la personne qu’il était il y a longtemps dans une histoire d’un jeune garçon (Inner Child) ou aborder sa souffrance en comparant son état dépressif à des couleurs (Blue & Grey), les chansons lui ont toutes fait prendre du recul par rapport à ses émotions, et par conséquent, lui ont permis de les surmonter. V a aussi partagé que « le jeune homme dans Stigma est passé par Singularity et Inner Child et a grandi ». Alors ce n’est pas une coïncidence si sa dernière chanson, Snow Flower (ft. Peakboy), prend la forme d’une conversation directe où une personne réconforte quelqu’un d’autre. Les locuteurs dans ces chansons, où V a participé à l’écriture des paroles et de la musique, sont fidèles à leurs émotions et montrent une maturité grandissante : ils tournent leur regard petit à petit vers l’extérieur et expriment de manière éloquente leur désir par des mots magnifiques, même quand ils sont séparés de quelqu’un et qu’ils sont en train d’externaliser leur douleur. À la fin, le sens du désir de V est une manière de jeter un regard sur la douleur et les moments spécifiques qui accompagnent le passage à l’âge adulte. « La plupart des chansons que j’ai sorties ont été écrites avec la jeunesse en tête », dit-il. « J’ai pensé que ce serait bien que les chansons que j’écris puissent réconforter la personne que j’étais plus jeune. »
Les chansons de V « ont exprimé ce qu’il voulait partager à différents stades de sa vie et reflètent la musique qu’il aimait à ce moment-là », dit Pdogg, l’un des producteurs de BTS, quand il fait la lumière sur le parcours musical de V en tant qu’artiste solo. Il se souvient quand V lui a montré un brouillon de 4 O’CLOCK : « Je me suis dit : Aah, ce gars a trouvé son propre son ». Pdogg a aussi défini Scenery comme un tournant important pour l’artiste. « C’est à cette période que V a commencé à donner son avis sur le mixage audio », dit-il. « À l’évidence, il examine soigneusement la musique et il est beaucoup plus clair sur la direction et l’émotion qu’il envisage. » Pendant ce temps, Hiss Noise, producteur, a travaillé avec V sur Winter Bear et Sweet Night. « Je pense que notre vision de la musique doit être claire si nous voulons créer de la bonne musique », dit-il. « Je pense que c’est pour cela que V est capable de faire de la bonne musique, en ce sens, car il a une bonne idée de la musique qu’il veut créer. » D’après Hiss Noise, c’est parce que Winter Bear est le genre de « chanson qui montre les émotions de V » qu’il a pu lui offrir son unique composition dans laquelle environ la moitié de la chanson est instrumentale. « Puisque la chanson possède une atmosphère différente de celles des albums de BTS, je voulais adopter une approche musicale un peu différente, ce que V a également apprécié ».
Hiss Noise a aussi révélé l’attention minutieuse qu’il a portée aux différents aspects de l’audio pour exprimer les émotions caractéristiques de V, pendant qu’il travaillait sur Sweet Night. Il explique que le bourdonnement replié derrière le fredonnement dans la chanson est censé représenter « les étoiles dans le ciel la nuit » et que les instruments à cordes qui commencent avec la phrase « Je me demande / Sommes-nous meilleurs amis ? » sont là pour capturer la mélancolie et la solitude de la chanson. « J’ai l’impression que les ballades utilisent relativement beaucoup d’instruments à cordes, mais pour cette chanson, j’ai pensé que ce serait plus adapté, émotionnellement, de diminuer les cordes, donc j’ai décidé d’utiliser un trio d’instruments à cordes. » Il définit Sweet Night comme étant le « produit du leadership de V, depuis ses opinions sur les éléments musicaux jusqu’au thème », et ajoute : « Naturellement, les idées des artistes sont tout le temps reflétées dans leurs albums, mais pour un projet personnel comme Sweet Night, leurs goûts influencent vraiment la production. »
V a pour la première fois démontré sa force d’artiste solo avec Stigma et Singularity, deux titres inclus dans les albums de BTS. « Singularity est devenue une chanson remplie de syllabes sans temps mort car j’ai travaillé dessus avec la performance qui l’accompagne en tête », dit V quand il met en avant une des considérations qu’il a faites pour les chansons de BTS. « S’il n’y avait pas de performance prévue, elle serait devenue une chanson complètement différente. » Pour cette raison, il a ajusté la puissance de sa voix pour créer le titre le plus groove possible en prenant en compte les contraintes d’une voix soul et d’un rythme lent pour laisser de la place à la performance. « Nous avons tenté le coup car V s’intéressait plus au R&B et à la soul à ce moment-là et sa voix profonde, basse et moelleuse est parfaitement adaptée au genre », révèle Pdogg. « Il est extrêmement difficile de groover sur une chanson comme Singularity, avec son rythme plutôt détendu et ses nombreuses parties complexes. Mais avant tout, il faut qu’elle ait l’air séductrice alors nous avons même éteint toutes les lumières quand nous l’avons enregistrée. » Mais V nous a dit qu’il accordait beaucoup d’importance aux « temps morts » pour l’enregistrement de chanson qu’il dévoile seul et en dehors du groupe, comme Scenery, Winter Bear et Sweet Night. « J’ai essayé de ne pas remplir mes chansons individuelles avec beaucoup de syllabes », dit-il. « J’ai pu mieux exprimer certaines parties et les rendre plus raffinées avec des temps morts. » Donc, pour des chansons comme celles-ci, sa voix est relativement détendue et concentrée sur l’expression apaisante des paroles. Par conséquent, elle possède toute la douceur d’un jeune garçon, contrairement à la voix profonde et sombre qu’il utilise dans Singularity et Stigma. Pdogg ajoute qu’il a aidé V à trouver sa voix en « se concentrant sur la conservation du sens et de l’émotion derrière chaque phrase des paroles plutôt que de lui avoir donné une direction particulière. Les chansons sur lesquelles a travaillé V ont vraiment bien exprimé ses émotions. J’ai donc essayé de maintenir ce beau pouvoir émotionnel. » La direction prise par la voix de V change suivant l’objectif et l’intention de chaque chanson. Et quand il s’agit de chansons qui concernent ses propres émotions, elles deviennent des sentiers pour aider l’auditeur·rice à mieux comprendre intuitivement les images que peint cette musique.
Les chansons que crée et qu’interprète V depuis la sortie de sa première chanson solo, Stigma, l’ont aidé à grandir et sont un bel hommage aux hauts et aux bas qu’il a vécus, à la fois en tant que membre de BTS et en tant que Kim Taehyung, ainsi qu’une longue et dure réflexion sur la douleur déclenchée par des séparations passées, tout ceci exprimé via un filtre de désir. Pendant cette période, sa musique a été précurseure d’une voix unique dans le monde de la musique. Les chansons sont captivantes dès les premières notes, avec la voix profonde de V, les images venues toutes droites d’un scénario de film, et la composition, capable de transmettre des émotions uniques, inonde l’auditeur·rice de sentiments compliqués qui se rangent entre la tristesse et une purification émotionnelle. V a seulement apporté sa voix pour sa dernière chanson, Christmas Tree, incluse dans la bande originale de la série Our Beloved Summer sur SBS, mais Nam Hyeseung, la réalisatrice de la chanson, a écouté la musique de V dès l’étape de planification et a écrit la chanson en pensant à lui dès le début. Le résultat est une chanson qui traite des émotions que V a déjà développé dans ses chansons précédentes. « Je suis très reconnaissant que la réalisatrice Nam Hyeseung ait écrit la chanson juste pour moi », dit V. « Et j’apprécie beaucoup qu’elle ait écouté ma musique et compris mon style rien qu’en écoutant quelques-unes de mes chansons. » Le catalogue de chansons de V a grandi, lentement mais sûrement, au fil du temps et d’autres musicien·ne·s peuvent déjà avoir une image claire de sa musique. Sa voix unique se propage dans les airs comme la musique d’un carillon et son catalogue est un portrait du jeune homme en tant qu’artiste : un portrait joliment peint avec une voix qui capture la douleur de l’expérience et le désir qui la soulage.
Notes :
Bluebird :
En anglais : littéralement « oiseau bleu »
I feel blue :
Équivalent de l’expression : J’ai le cafard.
